Las ideas gráficas del movimiento Dadá pueden apreciarse en la poesía de Ball, quien combina diferentes tipos de una manera desatinada y con una deliberada falta de lógica, parodiando la forma poética. Con su afirmación de que “el mundo y la imagen son una sola cosa” demuestra su decida voluntad de integrar el significado verbal y visual de las palabras y páginas en un todo coherente.

Sobresalen entre los miembros de Dadá dos nombres que hicieron del diseño gráfico su principal actividad profesional. Nos referimos a John Heartfield, el creador del fotomontaje político y Kart Schwitters.

El fotomontaje, que se servía del material visual del mundo de su alrededor, de medios de comunicación con los que la gente estaba familiarizada, se convirtió en una mordaz arma política. Los trabajos de fotomontaje realizados a partir de 1917 fueron contribuciones dadaístas distintivas y perdurables, aportando una nueva vitalidad entre las conexiones entre el tipo y su contexto.

Schwitters fue diseñador gráfico, montó su propia agencia de publicidad. Los diseños tipográficos ideados para su revista han marcado también una sólida pauta. En 1919 empleó la impresión efímera en una serie de trabajos denominada globalmente Merz, formada a partir de fragmentos aleatorios recogidos de diversas piezas de comunicación tipográfica, de una manera que va más allá de los montajes cubistas.

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1. Aportes al diseño gráfico del surrealismo
2. Aportes al diseño gráfico del futurismo
3. Aportes al diseño gráfico del Neoplasticismo

La influencia se produce a mayor profundidad afectando a la estructura de la forma antes que su aspecto estético. Las estructuras reticulares del propio van Doesburg y Mondrian, la reducción de los colores a sus más primarios pigmentos y las composiciones estrictamente geométricas fueron su mayor aportación.

La influencia se produce a mayor profundidad afectando a la estructura de la forma antes que su aspecto estético. Las estructuras reticulares del propio van Doesburg y Mondrian, la reducción de los colores a sus más primarios pigmentos y las composiciones estrictamente geométricas fueron su mayor aportación.

En la revista De Stijl se publicaron las primeras versiones compositivas de la Nueva Tipografía, doctrina formal renovadora que impuso definitivamente, entre otras cosas, la tipografía de palo seco. La primera portada de la revista exhibía un logotipo basado en una pintura de Húszar. Las palabras estaban organizadas como una serie de rectángulos, el tipo también estaba encorsetado, dando así una pista sobre algunos de los principios de uso de elementos primarios en formas no decorativas que tipificarían la obra del movimiento neoplasticista.

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1. Aportes al diseño gráfico del futurismo
2. Aportes al diseño gráfico del dadaísmo
3. Aportes al diseño gráfico del surrealismo

Estadio Centenario - Montevideo, Uruguay.

Sus grandes principios eran identificables de inmediato: una disposición asimétrica y dinámica de elementos articulados por doquier, la explosión espacial de todos los rincones interiores en la mayor medida posible, la utilización de zonas rectangulares coloreadas y en bajorrelieves para estructurar y modular los espacios interiores y finalmente, claro está, la adopción del color primario con miras a hacer notar la acentuación, articulación, alejamiento, etc.

“La nueva arquitectura es anticúbica, es decir, no intenta congelar dentro de un cubo a las diferentes células funcionales del espacio. Antes bien dispersa centrífugamente, desde el núcleo del cubo, las células funcionales del espacio (así como los planos voladizos, volúmenes de balcones, etc.). Y valiéndose de ese medio altura, anchura, profundidad y tiempo (o sea, una imaginaria entidad tetradimensional) plantea una expresión plástica totalmente nueva en espacios abiertos. De este modo la arquitectura adquiere un aspecto más o menos flotante que, por así decirlo, opera contra las fuerzas gravitatorias de la naturaleza.” van Doesburg

Hospital de Clínicas - Montevideo, Uruguay.

Los collages fantásticos de Ernst y las insólitas composiciones de Magritte han nutrido la cartelística desde los años 50. Los frecuentes trabajos publicitarios ejecutados por Magritte en tiempos en que ya había pintado algunos de sus cuadros más famosos demuestran que aunque parte de la publicidad de hoy siga inspirándose en el pintor belga, fue él mismo el primero en utilizar el simbolismo surrealista en la publicidad.

El indudable efecto sorpresa que cualquier imagen inesperada produce a los ojos, en ese aspecto los surrealistas fueron maestros, ha sido rentabilizado por la mayoría de metáforas elaboradas en publicidad desde 1924, como el arquetipo iconográfico más eficaz en el superpoblado campo de acción de los anuncios y carteles.

Para los publicitarios existe además en el surrealismo un especial hechizo: fue el movimiento que logró bucear hasta las más ocultas e inexpugnables fuentes del subconsciente, objetivo principalísimo de toda estrategia publicitaria de consumo.

Dalí influyó en el diseño gráfico en dos formas. Sus profundas perspectivas inspiraron a los diseñadores a llevar una vasta profundidad a la página impresa plana; su enfoque naturalista de la simultaneidad ha sido frecuentemente imitado.

Las formas de Arp abstractas orgánicas y la composición abierta se incorporaron en producto y diseños gráficos de los 50’s.

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3. Aportes al diseño gráfico del Neoplasticismo

Las pinturas de Magritte son argumentativas, ponen en cuestión los supuestos que uno tiene sobre el mundo, sobre la relación entre un objeto pintado y un objeto real, y establecen analogías imprevisibles o yuxtaponen cosas absolutamente sin relación en un estilo intencionalmente inexpresivo. No tienen un significado. Empleó cambios de escala bruscos y ambiguos, desafiando las leyes de la gravedad y la luz, creó inesperadas yuxtaposiciones y mantuvo un diálogo poético entre la realidad y la ilusión, la verdad y la ficción.

En La Condición Humana, se trata de una pintura dentro de una pintura, y aunque la figuración es bastante tosca, se crea una poderosa tensión entre el reconocer la fidelidad del paisaje sobre el lienzo con respecto al paisaje real y el saber que uno y otro son meramente paisajes pintados. Juega con muchas variaciones sobre este tipo de idea.

Las pinturas de Dalí son una deliberada escenificación de su propio estado psicológico. Hacen gala de su miedo obsesionante a la relación sexual que le lleva al onanismo y a la amenaza de castración. La paranoia a la que él achacaba la responsabilidad de sus imágenes dobles tiene poco o nada que ver con la paranoia médica.

El método se basaba en el poder repentino de asociación sistemática propio de la paranoia y era un método espontáneo de conocimiento irracional. Sus pinturas son turbadoras.

Inicio una revolución tipográfica dirigida contra el bestial, nauseabundo concepto del libro de los nostálgicos del pasado y el verso d’annunziano, impreso en papel del siglo XVII fabricado a mano y ribeteado con yelmos, Minervas, Apolos, con elaboradas letras iniciales en rojo, adornos florales, motivos mitológicos, epígrafes y números romanos. El libro debe ser la expresión futurista de nuestro pensamiento futurista. Y no sólo eso. Mi revolución apunta contra la, así llamada, armonía tipográfica de la página que es contraria al reflujo y el flujo, a los brincos y estallidos de estilo que atraviesan libremente la página. Por lo tanto, en una misma página usaremos tintas de tres o cuatro colores, e incluso hasta veinte tipos de letra, si es necesario. Por ejemplo, la cursiva, para series de sensaciones similares o velozmente cambiantes; la supernegra, para la onomatopeya violenta, y así sucesivamente. Lo que pretendo con esta revolución tipográfica y esta variedad multicromática de las letras, es redoblar la fuerza expresiva de las palabras.

Marinetti Destrucción de la Sintaxis – Imaginación sin ataduras – Palabras en Libertad, 1913

El futurismo concede a la tipografía un papel inédito hasta entonces en el juego de las formas plásticas, iniciándose con él una curiosa y positiva revolución tipográfica. La letra, que ya había adquirido una cierta paridad jerárquica con la imagen, gracias a la labor experimental de algunos arquitectos modernistas y a los diseñadores gráficos especialmente preocupados por el tema, asume en los manifiestos futuristas una entidad pictórica. Para ellos, la forma de la tipografía debía enfatizar el contenido escrito, huyendo además de las normas establecidas por la tradición sobre la armonía: una disposición espacial inédita, en la cual la letra se libera de la alineación clásica adoptando formas concretas figurativas, en alineaciones verticales, circulares, en escalera, etc.

En 1914, la revista Lacerba publicó una serie de experimentos de Carrá, un pintor que fue un importante difusor de las ideas futuristas sobre la impresión. Entre los artistas que aplicaron la filosofía futurista al diseño gráfico está Depero, quien produjo un cuerpo dinámico de trabajo en carteles, tipografía y diseño publicitario.

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3. Aportes al diseño gráfico del surrealismo

“El propósito del Werkbund es el de ennoblecer el trabajo artesano; vinculándolo al arte y a la industria, la artesanía y las fuerzas activas manuales, quiere unir esfuerzos y tendencias hacia el trabajo de calidad existente en el mundo del trabajo; constituye el punto de reunión de aquellos que deseen producir un trabajo de calidad.”

“SURREALISMO: sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral. – Primer Manifiesto redactado por Breton en 1924”

Grupo Inicial Artes Plásticas: Aragon, Arp, Breton, Dalí, Eluard, de Chirico, Masson, Delvanx, Tzara, Ernst, Miró, Magritte

El surrealismo nació de un afán de acción positiva, de empezar a reconstruir a partir de las ruinas de Dadá. Políticamente el surrealismo, heredó a la burguesía como enemiga, y, al menos en teoría, continuó el ataque de Dadá contra las formas de arte tradicionales.

“(…) Todavía vivimos bajo el imperio de la lógica … So pretexto de civilización, con la excusa del progreso, se ha llegado a desterrar del reino del espíritu cuanto pueda calificarse, con razón o sin ella, de superstición o quimera; se ha llegado a proscribir todos aquellos modos de investigación que no se conformen con los usos imperantes. Al parecer, tan sólo al azar se debe que recientemente se haya descubierto una parte del mundo intelectual que, a mi juicio, es con mucho la más importante, y que se pretendía relegar al olvido. A este respecto, debemos reconocer que los descubrimientos de Freud han sido de decisiva importancia. Con base en dichos descubrimientos, comienza al fin a perfilarse una corriente de opinión, a cuyo favor podrá el explorador avanzar y llevar sus investigaciones a más lejanos territorios, al quedar autorizado a dejar de limitarse únicamente a las realidades más someras. Quizá haya llegado el momento en que la imaginación esté próxima a volver a ejercer los derechos que le corresponden. Si las profundidades de nuestro espíritu ocultan extrañas fuerzas capaces de aumentar aquéllas que se advierten en la superficie, o de luchar victoriosamente contra ellas, es del mayor interés captar estas fuerzas, captarlas ante todo para, a continuación, someterlas al dominio de nuestra razón, si fuera procedente (…)”

Influencias

• Dadaísmo
• Grupo literario Littérature
• Freud: A pesar del tributo de homenaje a Freud, está claro que la manera en que los surrealistas aplicaron sus técnicas de libre asociación e interpretación de los sueños estaba, desde muchos puntos de vista, en contradicción directa con los propósitos de aquél. Rehusó a contribuir en una antología se sueños organizada por Breton, alegando que no veía que es lo que podría decir a nadie una recopilación de sueños carente de las asociaciones y recuerdos infantiles de quien los había soñado. Lo que los surrealistas vieron en ellos fue la imaginación en su estado primitivo y una expresión pura de lo maravilloso.

El período que va desde 1922 a 1924 se denomina período de los sueños. Durante este período los surrealistas investigaron las posibilidades del automatismo y de los sueños, usaron el hipnotismo y las drogas. Sin embargo, Breton en su manifiesto evita la discusión de las ayudas mecánicas insistiendo en el surrealismo como actividad natural y no inducida.

Las obras surrealistas de la categoría que se conoce como pinturas de sueños son aquellas en las que predomina una técnica ilusionista; no tienen por que ser necesariamente transcripciones de sueños, por ejemplo la existencia conjunta de elementos opuestos, la condensación de dos o más objetos o imágenes y el empleo de objetos que tienen un valor simbólico, a menudo enmascarando un significado sexual. Dalí veía su minucioso realismo ilusionista como una especie de anti arte.

Con el reconocimiento del poder del acto de creación espontánea, el surrealismo suprimió el veto que Dadá había impuesto sobre el arte, sin imponerle al artista a su vez un nuevo conjunto de reglas estéticas. “En nuestras obras pasamos a ser los recipientes mudos de incontables ecos, modestos aparatos de registro.” (Breton) Tanto Ernst como Dalí habrían de insistir en su pasividad ante sus obras, comparándose a sí mismos con mediums. Cuando los surrealistas hablan del más allá no pretenden referirse a los sobrenatural, sino más bien a las cosas que están más allá de la realidad inmediata, pero que pueden sernos reveladas por nuestro inconsciente o por nuestros sentidos en un estado de sensibilidad exacerbada.

En 1925 Eluard descubrió el frottage, al que define como “el auténtico equivalente de lo que ya se conoce con el término escritura automática”. Este método, según el cual al autor asiste como espectador del nacimiento de su obra, escapa a un control conciente y no entra en cuestiones de gusto o destreza.

El automatismo visual fue empleado para crear expresiones espontáneas de la vida interior en el trabajo de Miró y Arp. Miró desarrolló un proceso de metamorfosis por medio del cual sus motivos evolucionaron intuitivamente hacia formas orgánicas crípticas. Arp experimentó con armonías imprevistas y casuales.

La imagen surrealista nace de la yuxtaposición de dos realidades diferentes, dependiendo la belleza de la imagen de la chispa que salta de su encuentro: cuanto más diferentes sean los dos componentes de la imagen, más brillante será la chispa. Todo apunta a que existe un punto determinado de la mente en el que la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, el pasado y el futuro, lo comunicable y lo incomunicable, las alturas y las profundidades, dejan de ser percibidos como contradicciones. El surrealismo no aspiraba a la oposición de los estados aparentemente contradictorios, como por ejemplo de la vida de los sueños y la vida despierta, sino a su resolución en un estado de sobre realidad.

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1. Aportes al diseño gráfico del surrealismo

Jasper Johns

Johns trabaja a partir de elementos muy simples de uso cotidiano como letras, cifras, dianas y mapas geográficos. La genialidad de Johns al pintar la bandera consiste en la renovación total del tema al hacer de su tela una bandera perfectamente adaptada a las dos dimensiones de la pantalla plástica, sin perspectiva ni engaño de ninguna clase. Su bandera es a la vez una bandera y un cuadro, sin que se los pueda identificar ni disociar. Para conseguirlo, el artista ha hecho un collage de papel de periódico cubierto de una cera líquida en la cual ha disuelto pigmentos colorantes. Johns quería que la cera secara muy rápidamente y que conservara las huellas de sus manipulaciones.

Robert Rauschenberg

El pop art se caracteriza por su voluntad de expresar nuestra sociedad de consumo. En la obra de Rauschenberg encontramos: botellas de Coca Cola, tablones, paraguas, neumáticos, animales disecados. Sus obras ya no se llaman cuadros, ni esculturas, sino combined paintings. En sus combined paintings utiliza una gran variedad de objetos hallados y materiales diversos de la vida cotidiana que, combinados con el collage y otros recursos pictóricos, configuran una obra evocadora tanto de las estructuras cubistas como de los merz de Schwitters.

Andy Warhol

Imágenes tomadas de los medios de comunicación masiva que, a través de su sistemática repetición y transformada presencia, se convierten en nuevas realidades ante los ojos del espectador. El mundo de los mitos cinematográficos, las noticias sensacionalistas, las imágenes publicitarias o los objetos más banales de nuestro entorno inmediato se convierten para Warhol en nuevas imágenes artísticas, una iconografía que expresa nuestras creencias y mitos.

Basándose en el original fotográfico, utiliza las imágenes de los famosos o de los productos de consumo para realizar una transformación del color y de la mancha ofreciendo imágenes cada vez distintas y aparentemente idénticas, magnificando y a la vez deshumanizando los mitos de nuestro tiempo.

Odelburg

Odelburg crea enormes objetos de plástico o yeso pintado, presencias extrañas y blandas de hamburguesas o elementos domésticos descontextualizados con una gran dosis de ironía.

Roy Lichtenstein

Los trabajos de Lichtenstein se desarrollan a partir de las imágenes aumentadas del mundo del cómic. El cómic es uno de los géneros privilegiados donde se expresa el sueño americano. Desde el punto de vista sociológico y psicológico, ejerce desde siempre en Estados Unidos una influencia considerable, interviniendo en la vida pública y privada.

En lo que a la trama del papel de imprenta se refiere, es semejante al puntillismo de Seurat. Establece un enlace entre todas las imágenes. No existe ningún plano privilegiado.

He adoptado el enfoque en primer plano, lo cual permite una fácil manipulación, aunque, contrariamente al cómic, mis lienzos no son legibles de inmediato. Y un cierto número de críticos ha visto en ellos una voluntad de imitación o de crítica al método del cómic…. Lo que me interesa son los efectos plásticos y doy prioridad al impacto visual. Incluso llego hasta el efecto óptico que a veces puede eclipsar el tema.

Rosenquist

Las obras de Rosenquist se basan en las imágenes y los procedimientos de las vallas publicitarias.