Alberto Durero (1471 – 1528) era hijo de orfebre y en 1486 ingresó como aprendiz en el taller de Wolhemut, reconocido editor de Nuremberg. Demostró ser un maestro en lo fantástico y visionario. Se consideró a sí mismo como un innovador del arte de su país; reflexionó sobre lo que realizaba y sobre sus motivos, tomó notas de sus viajes e indagaciones y escribió libros para adoctrinar a su propia generación.

Los cuatro jinetes del Apocalipsis es un libro de 32 páginas de 44 x 30 cm, con 15 ilustraciones. Esta compuesto a dos columnas en tipografía gótica a la izquierda con las ilustraciones en la pág. derecha. Tiene un imprecedente poder emocional y expresión gráfica intensa. El volumen y la profundidad, la luz y las sombras, la textura y el área de superficie son creadas con tinta negra en papel blanco, lo cual se convierte en una metáfora de la luz en un mundo turbulento de potencias extraodinarias.

Otras series importantes son La gran pasión y La vida de la virgen. La madurez de su trabajo logró un dominio en el uso de la línea para dar tono.

Los pliegos sueltos de Durero, por ejemplo El Rinoceronte, eran muy populares. La imagen se basaba en una descripción escrita y un conciso boceto, realizados por un artista desconocido, de un rinoceronte indio que había llegado a Lisboa a principios de ese año.

Entre sus grabados calcográficos los más importantes son: Adán y Eva, San Jerónimo, El caballero, La muerte y el diablo y La melancolía.

Sus viajes a Venecia lo capacitaron para absorber la teoría y técnica de la pintura, así como la filosofía humanista del Renacimiento.

Escribió un libro, titulado Underweisung der Messung mit der Zirckel und Richtsheyt, cuyos dos primeros capítulos son análisis teóricos de geometría lineal y de construcción geométrica bidimensional. El tercer capítulo explica la aplicación de la geometría a la arquitectura, decoración, ingeniería y formación de letras. Las maravillosamente proporcionadas letras romanas mayúsculas, con instrucciones claras para su construcción, contribuyeron de manera significativa a la evolución del diseño del alfabeto. También explica el diseño de un alfabeto a partir de la repetición de un módulo. El cuarto capítulo abarca la construcción de sólidos geométricos, perspectiva lineal y ayudas mecánicas para el dibujo.

A partir de 1496 firma todas sus obras con su monograma, iniciando la era moderna del diseño de imagen corporativa. La inserción de la D dentro de la A es un hallazgo formal que participa claramente de la retórica geométrica del Renacimiento.

Trabajó a sueldo para el emperador de Holanda, donde fue muy bien recibido. Como el emperador no tenía dinero para construirse un arco de triunfo, Durero le hizo uno de papel.

La publicación continua de ediciones de Biblias permitió que se estudiara cada vez más. La gente por toda Europa formulaba su propia interpretación, en lugar de confiar en los líderes religiosos como fuente de la verdad. Esto condujo directamente a la reforma. Tanto Lutero como el papa León X usaron pliegos sueltos impresos en una disputa teológica ante una audiencia masiva.

Si en sus comienzos el libro impreso conservó las características propias del manuscrito no fue para confundir al comprador, sino porque no se concebía otra forma distinta de la establecida. Los editores renacentistas muy pronto empezaron a experimentar alternativas originales, desde la creación de tipos, la revisión de formatos y el ornamento en la encuadernación.

En 1463 Felice Feliciano dibuja el Alphabetum Romanum, cuyas letras están construidas sobre el esquema compuesto por un cuadrado, por sus diagonales y por el círculo inscripto; esta geometría regula las proporciones de los rasgos.

Las investigaciones sobre las proporciones armónicas ideales entre la masa impresa y la superficie del papel en blanco se recogen en un libro capital el tratado De divina proportione, escrito en 1509 por Luca Pacioli e ilustrado por Leonardo da Vinci.

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Juzgaba que la misión del artista era explorar el mundo visible, con intensidad y precisión. No confiaba más que en lo que examinaba con sus propios ojos. No existía nada en la naturaleza que no despertase su curiosidad y desafiara a su ingenuidad. Exploró los secretos del cuerpo humano haciendo disección a más de 30 cadáveres.

Anotó en uno de sus cuadernos que la finalidad suprema y la más difícil de conseguir en la pintura, está en describir la intención del alma humana por medio de gestos y movimientos de los miembros, afirmación que no debe interpretarse como refiriéndose a estados emocionales pasajeros, sino la vida interior de un hombre en conjunto.

Leonardo notó claramente que la conquista de la naturaleza había planteado para los artistas el problema de combinar correctamente el dibujo con la composición armónica. En La Mona Lisa, Leonardo encontró la solución al problema. El pintor debía abandonar al espectador algo por adivinar. Si los contornos no estaban tan estrictamente dibujados, si la forma era dejada con cierta vaguedad, como si desapareciera en la sombra, la impresión de dureza y rigidez de las primeras obras renacentistas sería evitada. Esta invención se denomina sfumato, el contorno borroso y los contornos suavizados que permiten fundir una sombra con otra y que siempre deja algo a nuestra imaginación. Los rasgos tienen demasiada individualidad para que Leonardo se limitara a representar un tipo ideal, y, no obstante, el elemento de la idealización es tan intenso, que borra el carácter de la retratada. El artista ha creado un armonioso equilibrio entre dos principios opuestos.

Miguel Angel (1449 – 1494)

La Capilla Sixtina es una soberbia obra decorativa que sorprende por su sencillez y armonía. En estas asombrosas imágenes se despliega la maestría de Miguel Angel para dibujar la figura en cualquier posición y desde cualquier ángulo, a pesar de considerarse exclusivamente escultor.

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Rafael (1483 – 1523)

Su aparente sencillez es hija de un profundo pensamiento, una esmerada concepción y una sabiduría artística inmensa. El genio de Rafael fue una capacidad única de síntesis que le permitió fusionar las cualidades de Leonardo y Miguel Anguel, creando un arte a la vez lírico y dramático, rico pictóricamente y sólido desde el punto de vista escultórico.

Andrea del Verocchio (1435 – 1488)

En su Colleone es admirable la postura del caballero, que parece estar cabalgando al frente de sus tropas con una expresión de osado desafío.

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Estuvo encargado de terminar la Catedral de Florencia. Los florentinos desearon que su catedral fuera coronada por una cúpula enorme. Decidió dejar a un lado el estilo tradicional, adoptando el programa de aquellos que añoraban un Renacimiento de la grandiosidad romana. Se trasladó a Roma y midió las ruinas de templos y palacios, tomando apuntes de sus formas y adornos. Lo que se propuso fue conseguir un nuevo modo de construcción, en el cual las formas de la arquitectura clásica se empleasen libremente con objeto de crear modalidades nuevas de belleza y armonía. Otra de sus obras es la Capilla Pazzi.

A él se debe también el invento de la perspectiva, que pudo nacer de su búsqueda de un método preciso para registrar el aspecto de las ruinas romanas sobre el papel, que consiste en las leyes matemáticas por las cuales los objetos disminuyen de tamaño a medida que se alejan del observador.

Masaccio (1401 – 1428)

Una de las primeras pinturas ejecutadas en perspectiva es La Santísima Trinidad. Parece un agujero en el muro a través del cual se pudiera ver una capilla. Es un espacio profundo en el cual las figuras podrían moverse libremente si quisieran. Las líneas perpendiculares al plano del muro convergen en un punto situado debajo del pie de la cruz, a 1,5 metros sobre el pavimento de la Iglesia. Los donantes aparecen arrodillados fuera de la escena. Es una pintura sincera y emotiva. El ademán con el que la Virgen señala a Jesús es tan elocuente e impresionante porque es el único movimiento en el conjunto solemne de la pintura.

Donatello (1386 – 1466)

Rompió completamente con el pasado. Las estatuas góticas permanecen a los lados de los pórticos en hileras solemnes y apacibles como si fueran seres de otro mundo. El San Jorge de Donatello se mantiene con firmeza sobre el suelo con los pies clavados en tierra resueltamente, como dispuesto a no ceder un palmo. Su rostro no tiene nada de la vaga y serena belleza de los santos medievales, sino que es todo energía y concentración. Trata el cuerpo humano como una estructura articulada capacitada para el movimiento, y sus ropajes aparecen como un elemento independiente y secundario. Otra obra importante es el Gattamelata que fue proyectado única y exclusivamente para perpetuar la fama de un gran soldado. Donatello forjó una imagen en la que se conjugan completamente el ideal y la realidad; la armadura del general combina la construcción moderna con el detalle clásico; la cabeza resulta poderosamente individualizada y, no obstante, posee una nobleza de carácter auténticamente romano.

Piero della Francesca (1420 – 1492)

Más que cualquier otro artista de su época, Piero consideró la perspectiva científica como la base de su pintura; en un tratado rigurosamente matemático demostró como aplicarla a los cuerpos estereométricos y a las formas arquitectónicas, así como a la forma humana. Este enfoque matemático llena toda su obra. Cuando dibujaba una cabeza, un brazo o una pieza de indumentaria, los veía como variaciones o compuestos de esferas, cilindros, conos, cubos y pirámides. Sus figuras humanas tienen una austera grandiosidad, parecen pertenecer a una extinta raza heroica, robusta, bella y silente. Su vida interior la exteriorizan las miradas y los gestos. Tienen una gravedad física y emocional.

Sandro Boticelli (1444 – 1510)

Sus cuerpos son delgados y están desprovistos de peso y de fuerza muscular, parecen flotar incluso cuando tocan el suelo. Los cuerpos por muy etéreos que sean, conservan su voluptuosidad: son genuinos desnudos que gozan de plena libertad de movimiento.

Boticelli, Fra Angelico y Gottili no rompen totalmente con el gótico, valoran la línea y sus figuras son más estilizadas.

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Maestro de Flémalle

Entre sus mejores obras se halla el Retablo de Merode. Aquí experimentamos por primera vez la sensación de estar mirando real y efectivamente a través de la superficie del panel, un mundo espacial que posee todas las propiedades esenciales de la realidad cotidiana; profundidad ilimitada, equilibrio, continuidad e integridad. Trata de concretar hasta el máximo los menores detalles, definiendo cada uno de sus aspectos: forma y tamaño individuales, color, material, texturas de las superficies, grado de rigidez y manera de responder a la iluminación.

Se presentó el problema de transportar acontecimientos sobrenaturales desde un escenario simbólico a un ambiente ordinario, sin que por ello se convirtiesen en triviales e incongruentes. Resolvió este inconveniente acudiendo al método llamado simbolismo disfrazado, consistente en que todos los detalles de que encierra el cuadro, aun los más accidentales, sean portadores de un mensaje simbólico. Por ejemplo, las margaritas representan la castidad de la virgen.

Jan (y Hubert) van Eyck

Toda la gama de efectos que el óleo hace posible no fue descubierta de una sola vez ni por un solo hombre. El maestro de Flémalle contribuyó menos que Jan van Eyck, artista al que durante largo tiempo se le atribuyó la invención del óleo propiamente dicha. El aceite, elemento viscoso y que seca lentamente, puede dar una variedad de efectos, desde finísimas películas traslúcidas hasta el más grueso empaste. Los tonos pueden proporcionar así una escala ininterrumpida de matices, entre ellos, ricas sombras oscuras aterciopeladas, desconocidas hasta entonces.

Los van Eyck fueron los primeros en explotar completa y sistemáticamente lo que se conoce como perspectiva aérea. Resulta del hecho de que la atmósfera nunca es del todo transparente, el aire que hay entre nosotros y los objetos actúa a modo de brumoso filtro que nos impide ver con claridad las formas distantes; al acercarnos al límite de la visibilidad, desaparecen totalmente.

En El matrimonio Arnolfini, Jan ejercía la función de testigo; la finalidad del cuadro era mostrar exactamente lo que veía, y tiene valor de certificado matrimonial pictórico. El escenario doméstico, aun cuando muy persuasivamente realista, está lleno de un sutilísimo simbolismo disfrazado, expresivo de la naturaleza sacramental del matrimonio. Por ejemplo, la única vela de la lámpara, encendida en pleno día, representa a Cristo omnipresente.

Rogier van der Weyden (1400 – 1464)

Se propuso recuperar, dentro del nuevo estilo creado por sus predecesores, el drama emocional, el pathos, del pasado gótico. En su obra El descendimiento de la cruz se aprecia el modelado escultórico, con los pliegues quebradizos y angulares de los ropajes y la riqueza de encendidos colores. Su arte es más sencillo físicamente y más rico espiritualmente. Habla más de la vida interior de sus modelos y menos de su aspecto externo.

Hugo Van der Goes

Su obra evoca una personalidad tensa y explosiva. En su Natividad, las manos de los campesinos reaccionan con una franqueza y asombro jamás acometidos anteriormente ante el dramático prodigio.

Se replantea la concepción medieval del arte y sus primeras consecuencias se concretan en la división y el reconocimiento del trabajo artístico, estructurando así una nueva relación sobre la base de categorías intelectuales diferenciadas. El conocimiento es un apoyo de la creatividad. La personalidad artística y el estilo individual serán lemas reivindicativos constantemente enarbolados. Se diferencia el rol intelectual del artista del artesano, que realiza trabajos manuales. Aparecen nuevos temas y surge el retrato y el paisaje como género.

Además de la perspectiva, las proporciones, los órdenes, las relaciones armónicas, la aritmética y la geometría se atiende también a temas específicos del futuro diseño gráfico, como son la correcta construcción de las letras o la arquitectura gráfica, sirviéndose para ello de los conceptos matemáticos en boga.

Los innovadores del Renacimiento alteraron la percepción de la información creando dos sistemas visuales. La pintura evocaba ilusiones del mundo natural en superficies planas, a través de medios como la fuente de luz individual y el modelo de luz y de sombra, el punto de vista fijo, la perspectiva lineal y la perspectiva atmosférica. La tipografía creó un orden secuencial y repetitivo de información y espacio. Condujo a la gente hacia el pensamiento lineal y lógico y hacia una categorización y división de la información, la cual formó la base de la investigación científica empírica. Esto favoreció al individualismo, un aspecto dominante de la sociedad occidental desde el Renacimiento.

La perspectiva que representa el mundo de una forma realista y la tipografía que jerarquiza y ordena la información, son dos corrientes del pensamiento lógico renacentista.

Contexto histórico

Los siglos XV y XVI presenciaron cambios de trascendental importancia: la caída de Constantinopla y la conquista de la Europa sudoriental por los turcos, los viajes de exploración que condujeron a la fundación de imperios ultramarinos en el nuevo mundo, Africa y Asia, con la subsiguiente rivalidad entre España e Inglaterra; la profunda crisis de la reforma y la contrarreforma. Pero ninguno de estos sucesos produjo en realidad el comienzo de la era nueva; cuando ocurrieron el Renacimiento ya se hallaba en camino. El Renacimiento había comenzado cuando las gentes se dieron cuenta de que ya no vivían en la Edad Media. Fue el primer período que tuvo conciencia de su propia existencia.

Durante el Renacimiento hubo un crecimiento de la burguesía, surgió el capitalismo y el concepto de los estados nacionales.

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